Uma Thurman y Mira Sorvino, el escándalo Harvey Weinstein y Quentin Tarantino

Uma Thurman es la última actriz que ha decidido hablar sobre el acoso sexual sufrido a manos de Harvey Weinstein. Echando mano de alguna biografía de Quentin Tarantino que tengo y libros relacionados con el Hollywood más oscuro, te das cuenta de que la ignorancia y el "mirar hacía otro lado" de una industria ha tapado los casos de acoso que siempre ha estado ahí (el productor que acecha a la actriz de turno). El caso de Uma Thurman me interesa porque entronca con Quentin Tarantino, el niño mimado de Miramax, y ex de Mira Sorvino, otra que también ha hablado.

Crítica. Los odiosos ocho: el western de Tarantino al estilo Agatha Christie

El octavo filme de Quentin Tarantino. Los odiosos ocho (The H8ful Eight), para hacer la gracia. También en su título en inglés, que "hateful" suena a "eightful". La parafernalia marketiniana de Tarantino es de sobras conocida. Empieza por esos títulos de crédito en la nevada Wyoming y sus homenajes a John Ford y compañía (ya le metió mano al western en Django desencadenado), se enrosca en largos diálogos que combinan la seriedad, por el temor (ante la muerte, casi siempre) con la broma aguda y, en muchas ocasiones, fuera de lugar (¿cuántas veces escuchamos esta vez la palabra nigger? RECORD) y acaba montando un guirigai en el que el villano parece menos malo y los buenos… somos los espectadores. Una peli de casi tres horas que arranca muy lentamente, tal vez, demasiado; que tiene su gancho inmediato en la mitad, cuando comienza la acción y nos sorprende la historia inesperada, y que acaba con un efecto sorpresa (otro más)… sólo puede mantenerse gracias al espectador, que soportará las trampas de guión y ese tono a crimen escrito por Agatha Christie. No sólo porque hay varios sospechosos en diferentes momentos y varias tramas que desenredar, si no también porque, como en el juego del Cluedo, todos ellos, los ocho y los que hagan falta, estan encerrados en un mismo lugar. Si el espectador acepta las normas de Tarantino y su buena dosis de suspense, gozará la película. Si busca una peli de acción de principio a fin, cometerá un error. Tarantino hace la peli que quiere hacer, lo lleva haciendo desde siempre, pero en esta ocasión, creo que se ha deleitado en los diálogos largos, profundizando en unos personajes (esa diligencia en la que viajan Samuel L. Jackson y Kurt Russell) que, como en Reservoir Dogs no se conocen, pero que tirando de los hilos se acaban por reconocer y ya sabemos lo que ocurre después cuando esto sucede = muerte. La época de los cazarrecompensas y bandidos da para este tipo de situaciones, y Tarantino las explota al máximo, como si no se quisiera dejar nada en el tintero. Cuenta con algunos de sus compinches que entran al trapo del juego (Samuel L. Jackson, Tim Roth, Michael Madsen) y con otros cabeza de cartel a los que moldear en sus manos (¿Channing Tatum?, en efecto, pero también ese mexicano Demian Bichir o Bruce Dern en un personaje singular). En una pandilla de tiarrones (trabajazo el de Walton Goggins, tan grande como siempre) no podía faltar alguna mujer, y cómo se las gasta Jennifer Jason Leigh. Gran sorpresa. Su personaje podría ser la metáfora de Los odiosos ocho: cuando crees que algo no importa adquiere su relevancia. La actriz fue nominada a los Globos de Oro, junto al guión y a la banda sonora de Ennio Morricone (ganó la BSO). En los próximos Oscar, repiten nominación junto a mejor fotografía.

Lo mejor de Los odiosos ocho es el planteamiento en escena como si de una obra de teatro se tratase, los monólogos de Samuel L. Jackson y esas escenitas que propone Tarantino y que ya permanecerán imborrables en tu cabeza, algunos guiños a su cine (Reservoir Dogs entre otras) y la violencia explícita (¡venganza!) cuando menos te lo esperas.

Lo peor es su duración, que parezcan varias películas en una haciéndose muy lenta la primera de ellas, que Tim Roth imite a Christoph Waltz en sus primeros gestos y que parezca el reverso de Django desencadenado pero a 10 grados bajo cero y en plan claustrofóbico.

Obra maestra o locura, dependerá también del estado en el que la veas, pero hablarás de ella para bien o para mal y mucho mejor cuanto más tiempo pase desde que la viste. ¿Mi sentencia? Ojalá Tarantino vuelva a rodar en ambientes gangsteriles pero del siglo XXI.

Los odiosos ocho se estrena en España el 15 de enero.

Los odiosos ocho, los guiños ocultos a otras películas de Tarantino (autohomenajes).

¿Sabías qué...? de Tarantino

The Ridiculous 6 de Adam Sandler parece una mofa de Los odiosos ocho.

Crítica. Érase una vez en Hollywood: Tarantino se pone nostálgico

Mi película favorita de Quentin Tarantino es Jackie Brown. Lo sé porque la puedo ver mil veces que no me canso, porque por fin se atrevió a poner al temido Robert de Niro como si fuera un tontainas y porque tras las violentas Reservoir Dogs y Pulp Fiction (peliculones) se atrevió con otra cosa, más pausada y tranquila. Cuando comienza Érase una vez en Hollywood me marea la música, encadenada sin ton ni son, guiando a los actores que conducen sus coches por la meca del cine (hasta suenan Los Bravos). Tarantino se gasta la pasta (en canciones de la época, en neones nostálgicos) para sumergirnos en los últimos estertores de una década, la de los 60, fin de la ingenuidad en EE UU. Brad Pitt llena la pantalla, no quiero que desaparezca nunca. Es el típico actor rubio californiano, con su camisa hawaiana y sus vaqueros. Es fácil empatizar con él porque vive la vida, sin preocupaciones, sabe quién es y lo que quiere. Como doble de acción del personaje de Leonardo DiCaprio permanece en segundo plano, acata órdenes, es el chico de los recados del actor, su amigo y confidente. DiCaprio es una estrella a punto de apagarse, pues siempre interpreta al villano en series de televisión. Es famoso y está forrado, pero siente que no está haciendo las cosas bien, que se merece más. A diferencia de Brad Pitt no disfruta del momento y ansía lo que no tiene. DiCaprio es como aquel Robert De Niro que se reía de sí mismo. Me recuerda a su interpretación de El renacido, forzándola un poquito más. Los primeros planos de los que abusa Tarantino nos acercan a DiCaprio de tal manera que sentimos sus lágrimas, sus sudores, sus esfuerzos por alcanzar la perfección. Me cansan las escenas dedicadas al western, donde su personaje se ha hecho un nombre. Eso sí, el momento vibrante de DiCaprio con la niña es excepcional, con ese "es la mejor actuación que he visto en mi vida". Cuando salto del luminoso Brad Pitt al polvoriento DiCaprio me da bajona. DiCaprio tiene las de perder, con su sombrero, su bigotón y sus espuelas, pues debe competir también con la belleza angelical de Margot Robbie que interpreta a la malograda Sharon Tate. La actriz prácticamente no habla, simboliza al actor que triunfa, que puede estar a las puertas de una gran carrera, que es feliz con sus pequeños papeles o bailando en una fiesta de la mansión Playboy (junto a Michelle Phillips y Cass Elliot, de The Mamas and The Papas, en un evidente anacronismo, pues Playboy no existía). Hay un momentazo incomparable en el que entra a un cine para ver su película La mansión de los siete placeres y la que aparece en pantalla es la Sharon Tate real (Debra, su hermana, le asesoró para el personaje). Estos tres personajes son vecinos, pero no se conocen. DiCaprio aspira a trabajar con Polanski, pero nunca ha llamado a su puerta. Pitt convive con una perra adiestrada, tan perfeccionista en lo suyo como él. La amistad entre Rick y Cliff, un bromance en toda regla, se mezcla con la secta de Charles Manson que aparece muy brevemente (Damon Harriman tiene más papel en la segunda temporada de Mindhunter). Tarantino da protagonismo a los hippies, consecuencia del descontento social. Siento que para Tarantino aquellos hippies son los millenials ultra de ahora (los mismos que a estas alturas denuncian que su cine es misógino). Intentaron cambiar las cosas que estaban mal, de una forma tan radical que perdieron la noción del bien y del mal, queriendo arramplar con todo para empezar de cero, una utopía. Todo mezclado con drogas, psicodelia, sexo libre y violencia. Como en Jackie Brown, Tarantino se toma su tiempo para el zambombazo final. Utiliza a personajes de la época y los recuerda a su manera, desmitificando en cierta manera al mito. Bruce Lee era un chulito, Steve McQueen (Damian Lewis), un cotilla. Si en el salvaje Oeste los hombres se defendían con sus pistolas, Tarantino se imagina ese mismo contexto para la Familia Manson. Porque Érase una vez en Hollywood (inspirada en el título de Érase una vez en América, de Sergio Leone, su director favorito) es una fábula, un sueño, un imposible, muy en la línea de Malditos bastardos. Un compendio de todo el cine de Tarantino (títulos de crédito en amarillo, ataque a los genitales, el tabaco Red Apple), y, por supuesto, sus nazis, sus vaqueros (Los odiosos ocho, Django desencadenado), sus artes marciales (Kill Bill), sus especialistas (Kurt Russell y Zoe Bell en Death Proof), sus fetichistas pies y azafatas de la Pan Am (Jackie Brown)… Y para las niñas de la secta, además de una hipnótica Margaret Qualley, de Lena Dunham (la voz de una generación también en los 60), de la televisiva Mikey Madison (Better Things), haciendo de Sadie, Dakota Fanning y Austin Butler, Tarantino echa mano de las hijas de sus protas y colegas (como cerrando un círculo): Rumer Willis, hija de Bruce Willis; Maya Hawke (hija de Uma Thurman); Harley Quinn Smith (hija de Kevin Smith). Una pena que desaproveche talentos como los de Scoot McNairy, Clifton Collins (Westworld), Victoria Pedretti (La maldición de Hill House), Sydney Sweeney (Euphoria) y Luke Perry, en su última película. En los títulos aparece Tim Roth, cuyo cameo finalmente se cortó.

Four Rooms (1995), cuando Tarantino se inspiró en Alfred Hitchcock y Steve McQueen

Inspiración Hitchcock en Tarantino: Four Rooms y Steve McQueen.

Four Rooms (1995). Cuatro historias en Nochevieja dirigidas por Allison Anders (con Madonna en plan bruja, que se llevó un Razzie); Alexandre Rockwell (un hombre amenaza a su mujer, Jennifer Beals), Robert Rodríguez (con Antonio Banderas como mafioso mexicano) y Quentin Tarantino. La única que merece la atención es la de Tarantino, sobre todo porque es una adaptación (y así lo menciona el propio director, aquí, un personaje más) de uno de los episodios de Alfred Hitchcock presenta (el 5x15). 

El hombre del sur (1960), escrito por Roald Dahl, tenía a Steve McQueen como el joven que acepta el reto de Peter Lorre de encender 10 veces el Zippo. Si lo hace se lleva su coche; si pierde, Lorre le corta el dedo meñique. Lorre le pide a un botones que le lleve un cuchillo de trinchar. Hay un hombre que sirve como testigo y también una mujer a la que McQueen acaba de conocer (en la vida real, Neile Adams, la mujer de McQueen). En esta versión, se confundieron en el título y llaman al episodio El hombre de Río.

En Four Rooms, el prota es el botones (Tim Roth), que sufre durante una noche varias aventuras, hasta caer en esta habitación con este reto macabro. Le piden, a cambio de pasta, que sea él el que corte el dedo. Pululan alrededor Bruce Willis y Jennifer Beals, pero aquí la tensión se produce porque no sabes cómo cerrará el episodio Tarantino. Fue muy inteligente contar una historia que tenía a un botones y que además transcurría en la habitación de un hotel. El amor de Tarantino por Steve McQueen, una vez más, se hace patente.

Man from South en Alfred Hitchcock presenta, dividido en dos entregas en YouTube:

Con spoilers. 

Hitchcock conseguía que McQueen encendiera el mechero seis veces. En ese momento aparecía la mujer de Lorre cortando el rollo, pues su marido estaba fatal de lo suyo y los coches que se apostaban eran de ella. Al final, hay dos giros. McQueen va a encender un cigarro y el mechero falla, así que comprueba que ha estado a muy poco de perder el dedo. Por otro lado, la propia mujer de Lorre muestra una de sus manos como si le faltaran varios dedos, ya que ella misma ha tenido que entrar en el juego para recuperar sus pertenencias. Tarantino sin embargo opta porque el Zippo la pifie a la primera, sin dar tiempo a reaccionar a nadie, solo al botones que se quiere ir por fin a su casa y con sus mil pavos, que en cuanto se oye el chasquido le corta el dedo de un plumazo para sorpresa de todos y sale disparado hacía el ascensor.

Crítica Django desencadenado, de Tarantino: duelo de interpretaciones

¿Mi opinión de Django? Con Quentin Tarantino me pasa siempre que logra engañarme. Sé que copia de aquí y de allí (desde el Django del título, con cameo de Franco Nero incluido, que sale menos que el propio Tarantino (¡!), qué se le va a hacer, a los mandingos de Mandingo, de Richard Fleischer), que va a hacer uso de la violencia gratuita (la larga secuencia del tiroteo final más que visual es sonora, chofDjango) y que, seguramente, unos personajes sean mucho mejores que otros, que se note a la legua quién manda aquí (el cazarrecompensas Christoph Waltz y el esclavista Leonardo DiCaprio se comen con patatas al ex esclavo Jamie Foxx, que no se luce nada, la verdad, excepto en la toma de la tortura mandinguera con los huevos al aire, joke). Por no hablar de su habitual cameo (¿era necesario esta vez, pesado?) o el de Don Johnson y Jonah Hill (qué lástima, el gordo y el flaco sobran para hablarnos del KKK, parece un sketch del SNL). O de su grandísima banda sonora (con la música, los peros que pudiera tener Django se me olvidan, si te gusta el rap, escuchar a 2Pac en un western resulta casi orgásmico, o a RZA). O de ese montaje que homenajea el género que revisiona (aquí, se nota la falta de su habitual montadera, fallecida). Esta vez se ha atrevido con un western, no es la primera vez que le sirve de fuente de inspiración, eso sí, pero aquí se tira a la piscina de una forma delirante (su cine es pistolero al fin y al cabo). Django me ha gustado más que Malditos bastardos (del que aplaudo su comienzo pero odio su final) y de ambas destaco la interpretación de Christoph Waltz que, aunque en un principio parece la misma, va logrando hacernos olvidar al nazi para embaucarnos en esa pantomima, con la que también arrastra a Jamie Foxx su personaje. El aspecto de Samuel L. Jackson es desconcertante (vaya mosca cojonera) y DiCaprio, con el temor que yo le tenía imaginándomelo de villano, lo hace mejor que bien. De hecho, Django gana mucho desde el momento en que él aparece. La peor parte se la lleva Kerry Washington, la princesa del cuento, que no sé en Scandal porque sólo vi el piloto y no me gustó, pero aquí no está a la altura (vuelve a coincidir como pareja de Foxx tras Ray). Django es acción, fino humor negro y exceso, aunque esconde un gran mensaje antibelicista. Por cierto, si tenéis intención de ver Lincoln podeis haceros una sesión continúa. Django se desarrolla dos años antes de que estalle la guerra civil americana y Lincoln cuando la guerra se acerca a su fin. Y si me preguntáis, mi peli favorita de Tarantino es Jackie Brown, la menos tarantiniana, por algo será.

Django nominada a los Oscar.

Tarantino y Planet Terror.

Reservoir Dogs y Toy Story.

El bolso feo inspirado en el traje de Don Johnson en Miami Vice.

Añado a la review de Django esta imagen del bar en el que se ve el cuadro de Goya de La maja desnuda (algo más tapada), que me recordó al de La maja desnuda (desnuda) se ve en el prostíbulo de Deadwood :)

Piloto La serie Abierto hasta el amanecer, curiosidades y diferencias con la película de Robert Rodriguez de 1996

(opinión sin spoilers) Veo el piloto de Abierto hasta el amanecer sin mucho entusiasmo. No ganamos para remakes y, en concreto, la película de Robert Rodriguez me gustó en su momento, cuando se estrenó en 1996. ¿Para qué una serie a estas alturas y dirigida por el mismo director? No es que la peli sea redonda (el final es de locos), pero los personajes, la trama y cómo está rodada, fueron más que suficiente para que se la considerase una peli de culto. Ese George Clooney con el tatuaje asomando por el cuello; Quentin Tarantino actuando como un loquito; Salma Hayek y la serpiente… Y, sobre todo, cierto humor socarrón, como un constante vacile que le quitaba importancia al asunto. Abierto hasta el amanecer era una gran broma, al estilo de las pelis de su amigo Tarantino.

El piloto de la serie cuenta exactamente los 10 primeros minutos de la película. Si cada episodio va a ir a esta velocidad, imaginaros. Cambia cosas para situarte y adelanta tramas. Lo que más me choca no es que no conozca a los actores protagonistas (excepto a Don Johnson) y que lo que me esté contando me suene todo, lo peor es que ha perdido todo el humor de la original. Se toma en serio y no me vale. Abierto hasta el amanecer era una peli gamberra, con una mezcla de géneros que la hacía muy divertida por insólita. Pero si me cambias la historia de un robo que acaba en un bar de vampiros, por la historia de una venganza que no sé dónde acabará, entonces no estamos ante la misma película. Lo que más miedo me da es que la que es la primera producción de Robert Rodriguez con El Rey Network se convierta en una especie de True Blood en la frontera de México con EE UU. Entiendo que en próximos episodios se desarrollará mejor la trama, pero el tono no va a cambiar y eso me echa para atrás.

Diferencias entre la película y la serie: poquitas, aunque...

(a partir de aquí, con spoilers del episodio)

Muere Elmore Leonard, inspiración de Jackie Brown, mi peli favorita de Tarantino

Entre las obsesiones de Quentin Tarantino recordaba su fetichismo por los pies (como en esta imagen de Jackie Brown), pero no que le gusta más el vodka con naranja que al mismísimo tío Charlie de dos hombres y medio. En el día en que ha muerto el escritor Elmore Leonard (en uno de sus personajes se inspira el Rayland de Justified) he recordado algunos momentazos de Jackie Brown, inspirada en su novela Rum Punch y mi peli favorita de Tarantino. Entre ellos las escenas en las que Samuel L. Jackson no deja de beber. Eso sí, nunca olvidaré cuando vi a Robert De Niro como un loser. No me lo creía. 

Critica. Buried, de Rodrigo Cortés: enterrado vivo y sin CSI que valga

A muchos de los que vísteis Buried (Enterrado) ayer por la tarde en el pase para blogueros de Warner os chocará este titular. En general, le chocaría a cualquiera. ¿Qué coño pinta Grissom en todo esto? A pesar de mi curro, fui a ver la peli sin saber absolutamente nada (no había leído una sola crítica entera). Sólo tenía una vaga idea (un tío está enterrado vivo en una caja); un ligero prejuicio (no me puedo quitar de la cabeza el vergonzante papel de Ryan Reynolds en Lobezno) y una sana esperanza (me gustan Hitchcock, y Fincher, y Carpenter, y Tarantino, y... también me gustó Concursante, el debut de Rodrigo Cortés).

Tras el pase todos comentaron reiteradamente que había "algo" de la historia que recordaba a otras películas, hitchcockianas en su mayoría (La soga, Naufragos, el epi famoso de Hitchcock presenta...). Más reciente está La Novia de Tarantino enterrada viva en Kill Bill... O la pareja aparentemente muerta por la picadura de una araña, pero viva, en Perdidos. Pero nadie (y si alguien lo hizo, que me lo diga) comentó el doble episodio de CSI Las Vegas 5x24 "Peligro sepulcral" (2005), en el que el CSI Nick Stokes (en la foto) es enterrado vivo y sus compañeros mueven cielo y tierra para encontrarle. Este episodio, nominado a un Emmy, está dirigido también por Quentin Tarantino, fan de la serie y al parecer, obsesionado con el tema. Un año después, Aliens in a Spaceship (2x9) de Bones acabarían encerrados por el Sepulturero Brennan y Hodgins. 

También Monk fue enterrado vivo, nada menos que dos veces: en el episodio 3x11 (2005) y 6x6 (2007). 

Y dicho todo esto (creo que durante una hora larga se habló de ello con un Cortés pelín exasperado por las comparaciones), tengo que decir que me importa un carajo. Es obvio que la idea de un hombre enterrado vivo ya se ha rodado. Es un miedo universal, como tantos otros (ahogarse vivo, quemarse vivo, añade lo que sea, siempre vivo y te cagarás de sólo pensarlo). Y que si no se ha hecho más veces es porque, obviamente, es muy complicado. Meter a un tío en una caja y buscarle el ángulo perfecto en plena oscuridad no sólo es una locura (punto en el que su director hace excesivo hincapié) si no que tiene bastante morbo añadido. Es claustrofóbico, claro, y te agobia hasta acongojarte, y te deja sin aliento (el silencio era absoluto, sólo interrumpido por ligeros toques de humor, tan necesarios aquí como en las mejores películas de terror). Y, sí, para qué engañarnos, puede resultar hasta sádico. Pero esto no es Saw, ni Hostel, ni gores por el estilo. Esto es terror psicológico puro. Y yo, fan de Stephen King, sé de lo que hablo.

Ryan Reynolds puedes ser tú. No es un héroe, como La Novia tarantiniana. Ni tiene a un brillante equipo del CSI buscándole por ser uno de los suyos. En ningún caso le mueve la venganza. Paul Conroy, su personaje, sólo depende de sí mismo, de su instinto de supervivencia. Pero es un tipo normal y me gusta ese punto de inteligencia que le hace saber hasta dónde puede llegar, que le hace poner a prueba sus límites. Reynolds le insufla al personaje una credibilidad con la que el espectador empatiza a medida que avanza el brillante guión. Podrás ver algunos pequeños "peros" en este thriller, no sentirte a gusto con determinadas elecciones (a mí el rollo cámara lenta no me seduce nada o ciertos diálogos explícitos para hacernos partícipes de su desgracia), pero... ¿qué thriller no los tiene?

Ni existe el crimen perfecto ni existe una forma "real" de mantener 90 minutos a un tío en una caja y que tú puedas verlo. Si en el episodio de CSI "la técnica" era una cámara en el interior de la caja puesta ahí por el secuestrador para que los CSI vean en tiempo real lo que le sucede a Stokes, en Buried tenemos el juego del móvil. Un puto móvil. Y con eso, y cuatro cosas más (léase macguffins), Cortés propone un osado ejercicio de dirección donde juega, como su personaje, con todo lo que le ofrece ese pequeño espacio.

Nosotros estamos dentro de la caja, y no hay más. Y esta tensión argumental, con la que, sin darte cuenta, te dejas llevar (¡qué puñetera energía desprende!), con un solo personaje y una única ubicación, sorprende. Esto es, para mí, lo mejor de Buried: que sin correr te cansas; que sin saber vas entendiendo; que estás terminando algo que de inicio sientes acabado, down, a dos metros bajo tierra. Y si hicieran un 'remake' yanqui pues sería muy CSI, muy Jerry Bruckheimer. Por eso, cuando ví a Rodrigo Cortés defender a muerte (y con ingenio, algo que le sobra) a su criatura, me recordó a ese Leonardo Sbaraglia de Concursante, cuando va enumerando las claves para hacerse rico. Cortés, que sabe enumerar y muy bien lo mejor de sí mismo como director, sabe que tiene algo bueno entre manos, que lo que tiene de arriesgado y personal es parte de su atractivo. Y eso a los que no nos gusta el cine convencional nos pone. Yo acabé exhausta, disfrutando en silencio tan extraño malestar. Algo inusual. Cortés se la ha jugado, otra vez, y ha ganado. Y él lo sabe.

[web oficial]

Podeis leer otras críticas de Planeta Claqueta, Trailers y Estrenos, Especialista Mike, No es Cine todo lo que Reluce, Cinco y Acción, Cineralia, Cinemoción, Desmontando Hollywood, Baldovi, Aullidos, Soypelopo82, ...

Otras entradas sobre Rodrigo Cortés en Yonomeaburro

• Escape (2024).
• Historias para no dormir (2021).
• Mi entrevista a Rodrigo Cortés para la revista Woman por Blackwood (2018).
• Mi entrevista a Rodrigo Cortés para la revista Club RENFE (2018).
• Dormir es de patos (2015).
• Grand Piano (2013).
• Mi crítica de Luces rojas en Cinemanía (2012).
• Mi entrevista a Rodrigo Cortés sobre series, y Perdidos en la revista Digital Plus (2011).

Referencias-homenajes de las películas de Tarantino

Quentin Tarantino's Visual References from Jacob T. Swinney on Vimeo.
Maravilloso vídeo que reúne las películas en las que se ha inspirado Quentin Tarantino. De sobras es conocido el plagio/homenaje de determinadas escenas clásicas que ha hecho el director a lo largo de su filmografía, pero verlas todas de seguido en un vídeo con sus secuencias correspondientes es un trabajazo.

Globos de Oro 2020: Succession, Fleabag, Chernobyl, 1917, Erase una vez en Hollywood… ganadores y curiosidades

Ricky Gervais presentó la 77ª edición de los Globos de Oro, cuyos premios se entregaron en la madrugada del 5 de enero de 2020. Ganó mejor drama 1917 y comedia, Érase una vez en Hollywood. En series: Succession (drama), Fleabag (comedia) y Chernobyl (miniserie).

• Alfombra roja, mejor y peor vestidos.
• Los 15 momentazos de la gala.
• Las polémicas más sonadas en los Globos de Oro.
• Los Globos de Oro 2020 en Twitter.

Succession, por fin le hacen justicia.

Top Gun cumple 30 años, ¿el personaje de Tom Cruise era hetero o gay?

En 1986 se estrenaba en EE UU Top Gun, de Tony Scott, que no sólo hacía popular al guaperas Tom Cruise si no que, además, abriría un debate con el tiempo (propiciado por Quentin Tarantino, entre otros) sobre la homosexualidad de los protagonistas. ¿Era Top Gun un film involuntariamente homoerótico?

Porque hay películas, como Top Gun, que pasan de ser simplemente buddy movies, pelis de colegas, para convertirse en confusos bromances. ¿Ejemplos? Le llaman Bodhi, 300, Tango y Cash, Batman y Robin, El club de la lucha, The Fast and Furious: A todo gas, Magic Mike… tíos buenorros y heteros soltando testosterona mientras se divierten creando situaciones ambiguas. Leer más.

Tarantino explicando su teoría gayer sobre Top Gun

El séquito octava temporada: primeras fotos de Ford Fairlane

¿Os acordais de Ford Fairlane? Pues aquí le tenemos por fin en la octava y última temporada de El séquito (Entourage), que se estrena el 24 de julio en EE UU. El personaje que hizo famoso al actor Andrew Dice Clay (imdb) me marcó, me meaba de la risa con él. Por las pintas de motero rocker vemos que el estilo del cómico no ha cambiado y que hará seguramente buenas migas con Drama. Macarras a tope!

Actualizo: cuenta el actor en una entrevista con LA Times (link), que se interpretará a sí mismo en El séquito, que el papel le llegó tras ir a por un café con su hijo al Starbucks. Allí estaba Bruce Rubenstein que le comenta por qué no hace un cameo en la serie como han hecho otros cómicos. "El creador de Entourage, Doug Ellin, cree que eres el mejor cómico y quiere verte hoy". "¿Y cómo lo sabe?", le pregunta el actor. "Me acaba de enviar un email ahora mismo". Ay! las nuevas tecnologías! A Doug a partir de entonces le llamó "Mi Tarantino", porque le ha dado una oportunidad como hizo Quentin Tarantino con John Travolta.

The Wolfpack, el documental sobre los hermanos encerrados en un piso que ganó en Sundance se queda a medias en casi todo

The Wolfpack es un documental que se llevó el premio del jurado en Sundance en 2015. La directora Crystal Moselle se interesó por esos seis hermanos que habían pasado 15 años encerrados por su padre en su apartamento de Manhattan y cuyo día a día había transcurrido viendo una película tras otra y emulando a sus personajes favoritos (especilmente, las pelis de Tarantino, violentas o de terror). Sabiendo esto de inicio, la directora no llega a profundizar en las preguntas que cualquiera nos haríamos ante semejante esclavitud en pleno siglo XXI (los chicos salieron en 2010). Hablan los padres: ella, de Michigan, una señora que aguantó palizas del marido y su régimen dictatorial, que tuvo un hijo tras otro, y que nunca se quejó hasta que le ponen la cámara por delante. Sus comentarios no son explícitos, pero vemos al padre borracho, tambaleándose por el pasillo, y hablando como si se creyera un iluminado. Es obvio que no está bien de la cabeza. Este tipo, peruano, asegura que él nunca ha trabajado porque trabajar es una forma de esclavitud de la sociedad, así que decidió que sus hijos y su mujer no salieran de casa porque no se les había perdido nada fuera. Eso sí, él sí salía. Sus hijos, todos, se dejaron el pelo largo, le daban picos en la boca a modo de saludo y le odiaban, aunque no dejaron la casa a pesar de obtener por fin la libertad. Si en esta casa en la que viven el matrimonio, siete varones ya mayorcitos y una hija de la que nada se cuenta en el documental, aunque la vemos, nadie trabaja, ¿de qué viven? No se explica, sólo que ella recibía una asignación al ejercer de profesora con sus hijos en casa. Pero esto, ¿no es ilegal? En otro momento, uno de los chavales solloza y dice que hay cosas que jamás olvidará que pasaron allí dentro, pero no se profundiza. ¿Hubo malos tratos, abuso de poder, violaciones? Si fuera así, el documental habría servido de denuncia, no como mero pasatiempo para fans de Tarantino que ven como los chavales de visten de Reservoir Dogs. ¿Y los vecinos? En un edificio enorme, con grandes ventanales que dan a varias calles, ¿nadie se interesó por la familia Angulo, nadie preguntó o denunció a la policía? La directora no pregunta, se contenta con creerse lo que le cuentan ellos, que tienen un síndrome de Estocolmo acojonante. Uno de los chavales cuenta que una vez la policía entró rompiendo la puerta, buscando armas. No encontró nada, pero ¿a nadie le extrañó que siete niños vivieran en colchones tirados en el suelo, sin asistencia sanitaria, ni educación oficial? Cuenta el documental, con imágenes, que los chavales "a veces" salían. ¿En qué quedamos? Pero no dice por qué salían o a dónde iban o qué pensaban. The Wolfpack se queda a medias en casi todo, hasta cuando esa madre habla por teléfono con su madre (la abuela de los chicos) por primera vez en 50 años para reencontrarse y no vemos el encuentro. O la directora no se atrevió a ir al grano o esta familia no dice del todo la verdad. Dentro de unos años nos contarán qué ha sido de estos seis chicos que aseguran saber diferenciar la realidad de la ficción, pero que no lo demuestran en el documental, del cacao que tienen. Canino, que es ficción, da más miedo.

The Wolfpack se puede ver en Netflix.

Rarezas del IMDB: Benicio del Toro es feo y Tarantino, entre los hombres más sexy

No es coña. Abro el iMDB y me encuentro con estas dos sandeces. Benicio del Toro es feo pero sexy (ugly but sexy). Pues no, oiga. Feo no es. Casi, casi es como si Brad Pitt tuviera un hermano moreno, a lo Zipi y Zape. Y ya ver que Quentin Tarantino está entre los hombres vivos más sexy (sexiest men alive), ya quisiera él. Alerta WTF en toda regla. xD

Oscar 2020, ganadores y curiosidades de esta edición

Estos son los ganadores (y nominados) en la edición 92 de los Oscar 2020, cuya gala se celebró anoche sin presentador, tal y como ocurrió el año pasado. Arrasó la coreana Parásitos que hizo historia al llevarse mejor película del año (la primera que lo hace en habla no inglesa) y además mejor película de habla no inglesa. Ni Almodóvar, ni Banderas ni Klaus rascaron nada.

Alfombra roja de los Oscar 2020.

• Las mejor vestidas en la historia de los Oscar.
• Las peor vestidas en la historia de los Oscar.

Joaquin Phoenix ganó como mejor actor por Joker. Nadie lo dudaba.

CURIOSIDADES

• El coreano Bong Joon Ho se llevó mejor película, director y guion como premios individuales (mejor película de habla no inglesa se considera otorgado al país). Solo Walt Disney había ganado cuatro Oscar el mismo año.
• En el in memoriam (en el que cantó Billie Eilish) se olvidaron de Luke Perry. Camila Morrone, de 22 años, acompañó a Leonardo DiCaprio.
• Eminem cantó Lose Yourself, 17 años después de ganar el Oscar por este tema en 2003.

Un clip con las mejores canciones del cine y de repente #EMINEM. Revivilo, dale play, cantalo, compartilo. #Oscars pic.twitter.com/gTnGKUeLZI

— AP (@altapeli) February 10, 2020

• Primer Oscar para Brad Pitt y Laura Dern.
• Documental: ganó American Factory, que produce Obama.
• Joker, de Todd Phillips, parte con 11 nominaciones. Se llevó dos.
• El irlandés, de Martin Scorsese, Érase una vez en... Hollywood, de Quentin Tarantino, y 1917, de Sam Mendes, con 10. El irlandés no se llevó nada.
• Netflix: 24 candidaturas, la que más.
• Sabor español: Antonio Banderas está nominado a mejor actor, por Dolor y gloria; la película de Pedro Almodóvar aspira a mejor película internacional y la película de animación Klaus. No ganó ninguna.
• Parásitos: seis candidaturas, compite a mejor película, es la 12ª vez que ocurre. La coreana podría arrebatarle a Almodóvar el premio a mejor película extranjera. Bong Joon Ho opta a mejor director y guion. Se lo llevó todo.
• Scorsese: el director vivo con más nominaciones, 9.
• Mujeres: ninguna directora nominada (Greta Gerwig, Lulu Wang (The Farewell), Lorene Scafaria (Estafadoras de Wall Street), Melina Matsoukas (Queen & Slim) y Marielle Heller (A Beautiful Day in the Neighborhood - Un amigo extraordinario). Greta Gerwig (Mujercitas) y Kristy Wilson-Cairns (1917) optan a guion. 
• Raza: la afroamericana Cynthia Erivo (Harriet), único actor negro en optar al Oscar. Aunque en EE UU hayan dicho que Antonio Banderas era "de color" (tela).
• Doblete: Scarlett Johansson.
• Ausencias: Jennifer Lopez (Estafadoras de Wall Street), Awkwafina, que ganó el Globo (The Farewell), Lupita Nyong’o (Nosotros). Adam Sandler (Uncut Gems). Beyonce (El Rey León). Frozen 2.

Foto de familia de los nominados (faltan Joaquin Phoenix, Margot Robbie, Antonio Banderas, Saoirse Ronan y Scarlett Johansson)

GANADORES Y NOMINADOS

'La casa de papel': películas y series en las que se inspira según su creador Jesús Colmenar

¿Existe el atraco perfecto? La casa de papel ha sido la primera serie española en plantear el reto. El robo de 2.400 millones de euros de la fábrica de moneda enfrentaría durante 11 días de asedio a ladrones, rehenes y policía. La casa de papel se estrenó en mayo en Antena 3 y le pregunté a su director, Jesús Colmenar (Vis a vis) cuáles habían sido sus referentes del género. Ahora que ya hemos visto la serie, sus comentarios toman mayor sentido.

Entrevista a Alba Flores por La casa de papel.

RESERVOIR DOGS (1992)
“Los personajes pueden remitir al Tarantino primigenio, el de Reservoir Dogs. No somos tan violentos ni sangrientos, me gusta el Tarantino emocional, más allá de que se le recuerde por el tiro en la cabeza. Esa mezcla entre la comedia negra y la acción, con secuencias con las que no sabes si reírte o no, por lo rocambolesco de la situación”.

NIKITA, DURA DE MATAR (1990)
“En sus filmes, Luc Besson le quita lo que no funciona del cine americano y nos da lo que nos gusta a los europeos. Las chicas de la serie son un poco como las mujeres de Besson. Úrsula Corberó (Tokio) tiene un aire a Nikita”.

UN TRABAJO EN ITALIA (1969)
“A diferencia de películas como The Italian Job, nosotros nos agarramos más a la verdad. No pretendemos ser locales: la historia puede suceder en España o en cualquier otro lugar. Pero aquí los increíbles tipos en trajes de Armani los cambiamos por personajes como el de Paco Tous (Moscú), que es un minero que revienta cámaras acorazadas”.

CABALLERO Y LADRÓN (1939)
“Como David Niven, Berlín (Pedro Alonso) es un ladrón de guante blanco, que ha dado golpes en Cartier en París o ha robado diamantes. Pero todo se le ha ido al garete, es otro desahuciado más, aunque su forma de ver la vida es elitista. [Como metáfora del robo de corazón del filme], también hay historias de amor, amistad y… síndrome de Estocolmo”.

THE NINE (2009)
“El punto de vista es el de los atracadores [en la miniserie de ABC era el de los rehenes]. Aunque cambia al de la policía. El espectador va a dudar porque no hay buenos y malos. Es una serie policial, trepidante. Los guionistas son muy destroyer. El tono es menos oscuro que Vis a vis, más de entretenimiento puro”.

INSIDE MEN (2012)
“[El robo se hacía desde dentro en la miniserie de la BBC] La motivación es lucrativa, excepto para el enigmático El Profesor (Álvaro Morte) que es un genio y no entendemos que hace ahí. Son como Robin Hood porque roban al sistema. Hay un plan dentro del plan. Serán 18 episodios con un final cerrado. De continuar sería a modo de spin-off”.

Especial Comic-Con 2012 día 3 y 4: Fringe, Futurama, Los Simpson, Quentin Tarantino, Jamie Foxx, Dr Who, Martin Freeman, Iron Man, Joe Manganiello...

Más sombreros: Martin Freeman por el Hobbit.

Dr Who (Matt Smith) con bombín.

Futurama en la Comic-Con , firmas y disfraces de Leela!

La bicicleta de Los Simpson!

Los fans de Fringe con sus "tulipanes" en alto en el panel de Fringe.

Joshua Jackson en el panel de Fringe

Jamie Foxx y Quentin Tarantino con los Fedora por Django desencadenado

Joe Manganiello ¿y esa camiseta?

Robert Downey Jr y la peor de sus pesadillas

Tercer día de la Comic-Con. Como en anteriores días iré subiendo las mejores imágenes!

+Comic-Con 2012 día 1

+Comic-Con 2012 día 2

Lo nuevo de Tarantino y muertos de serie

Encuentro las primeras fotos de la nueva peli de Tarantino con Robert Rodríguez, Grindhouse. Y ¡oh! sorpresa! aparecen Naveen Andrews y Freddy Rodriguez, de Perdidos y A dos metros bajo tierra, respectivamente. ¿Será por este rodaje por el que se baraja el nombre de Sayid como un posible candidato a desaparecer de Perdidos? Qué nervios!

Y si tienes un rato pásate por esta web y échale un ojo a los actores de series de la tele que han desparecido en 2006. Ojo, que hay spoilers, claro.

Better Call Saul 5x2, el gnomo de jardín y el helado

Recap del episodio 5x2 (50% Off - ) de Better Call Saul, con spoilers.

LOS DROGADICTOS TIENEN NOMBRE

No son Beavies and Butthead, pero lo parecen. En el episodio 5x1 me fijo en un chaval que lleva gorro de lana, que me recuerda a Jesse Pinkman (y más al personaje que dobla en BoJack Horseman), va con otro melenudo. Confiando en que Saul Goodman los sacará de problemas pagando la mitad (ese 50% del título) los dos desfasan de lo lindo, drogándose y rompiendo todo tipo de cosas, como un gnomo de jardín. En los créditos aparecen como "drogadictos" por un error, según los creadores, porque, en realidad, tenían nombre: Sticky y Ron (que a mí me suena a Ren y Stimpy, aquellos dibujos animados descerebrados). Cuando rapea uno de ellos, de hecho, dice que se hace llamar Sr. Sticky (pegajoso). 

'LOCO OCHO', ASÍ NACIÓ EL APODO
En una partida de póker, Domingo deja ganar a Lalo. Este al ver sus cartas (llevaba dos 8 y en la mesa hay otro 8) le llama Loco Ocho, creando el futuro apodo criminal de Krazy-8. Domingo es detenido por la policía al intentar desatascar una tubería por donde lanzan la droga.

NACHO, CABALLO DE TROYA
El caballo de Troya es Nacho. Gus le amenaza con matar a su padre si no consigue ganarse la confianza de Lalo para acabar con él desde dentro. Mientras, Lalo visita a su tío Salamanca para hacerle ver que intuye que Gus oculta algo: sabe que no es un frigorífico lo que estaba construyendo. Cuando detienen a Domingo, los SWAT entran en el edificio abandonado en busca de la droga. Nacho se la juega y se cuela por la azotea para recuperar la mercancía, una forma de ganarse a Lalo, que aplaude su valentía.

MIKE, ENCABRONADO
Tras rechazar el trabajo de Gus, Mike ha debido beber y mucho. Le llama su nuera para que cuide de su nieta. Le anima a descubrir quién fue Jacques Cousteau porque su padre quiso ser explorador de los mares. Todo va bien hasta este momento cuando la nieta le recuerda a su hijo. Mike pierde un poco los papeles con ella, echa de menos a su hijo y se enfada. Mike parece bruto, pero es un tipo de gran corazón. No solo por cuidar de la familia, cuando entra en la casa acaricia al perro, por ejemplo. Son pequeños detalles que dicen mucho de una persona empática. Mike no lleva bien ni la muerte de su hijo ni la del alemán, se siente culpable.

UN ARMARIO MÁS GRANDE
A Jimmy la casa se le queda pequeña, no tiene armario donde meter todo su vestuario colorido y hortera, algo que mosquea a Kim, porque le quita espacio. Luego Jimmy lleva a Kim a visitar una espaciosa casa, con un vestidor de fantasía. Aunque Kim le apremia a no saltarse la ley y sigue confundida, acaba riéndose al salpicarle agua debajo de la ducha. Supongo que veremos estos tiras y aflojas porque Kim quiere a Jimmy, pero al mismo tiempo es muy cerebral y sabe que profesionalmente no lo está haciendo bien. Curiosamente, Jimmy exclama: "¿Dónde están mis Louboutin?", bromeando con que sus palabras hacen eco dentro del vestidor. ¿Louboutin? Ahora, no se los puede permitir, pero ahí muestra su ambición.

EL ASCENSOR Y LA FISCAL
Jimmy (ese hombre tierno con Kim) desaparece cuando se viste del pícaro Saul. En los juzgados le vemos como pez en el agua hablando con unos y con otros, engatusándolos, dejándose querer. El único hueso es una fiscal, Ericsen. El mago Saul logra convencer a un tipo de mantenimiento (con servicios legales gratis para su primo) para que los deje encerrados en el ascensor. Es la única forma de que ella llegue a acuerdos con él antes de llevarlos a juicio.

EL GNOMO Y EL HELADO
Jimmy va con su disfraz de Saul a lo suyo, comiendo un helado por la calle. Se le acerca un coche, es Nacho que le obliga a subirse a él. Los dos se conocen, pero hacía dos años que no se veían. Al inicio del episodio, los drogatas rompen un gnomo de cerámica cuando arrancan el coche, en una perspectiva similar vemos el helado de cucurucho que Jimmy deja caer al suelo cuando sube al coche de Nacho.

GUIÑO A TARANTINO Y A MARTIN SCORSESE

"Trae bagels" dice alguien, que es lo que le dice Brad Pitt a Leonardo DiCaprio en Érase una vez… en Hollywood, de Quentin Tarantino. Pero el guiño cinéfilo más potente es a Martin Scorsese. Saul le dice a Kim de ver Jó, qué noche. Además, Saul compara a un rival con Toro salvaje, también de Scorsese. Para más inri, la cadena AMC, que emite la serie en EE UU, emitió justo después del episodio Uno de los nuestros.

Otras entradas sobre Better Call Saul

• Episodio 5x1
• Curiosidades de la quinta temporada.
• Episodio 4x1 / 4x2 / 4x3 / 4x4 / 4x5 / 4x6 / 4x7 / 4x8 / 4x9 / 4x10
• Modero la charla con Bob Odenkirk y Rhea Seehorn en Telefónica (abril 2018).
• Recap de los episodios de la tercera temporada.
• Fotos de la tercera temporada.
• Curiosidades de la segunda temporada.
• Opinión del piloto de Better Call Saul.
• Todas las entradas de Breaking Bad en el blog aquí.

Ganadores y nominaciones Globos de Oro 2013

Este año me he perdido las nominaciones en directo, pero cuando vi que habían nominado a Hayden Panettiere y que no estaba Jared Harris ni The Good Wife (ya de Fringe ni hablo) me entró el cabreo. Ya veremos quién se lleva los Globos de Oro (la entrega de esta 70 edición será el 13 de enero, con Amy Poehler y Tina Fey de maestras de ceremonia), pero por el momento estos son los nominados a los Globos de Oro 2013 (con un * mis favoritas, en negrita los ganadores que no significa que vayan a ganar, de hecho lo petará Girls): 

En resumen: Homeland (3), Game Change (3), Girls (2), Hatfields & McCoys (1), Downton Abbey (1).


Alfombra roja, las mejor y peor vestidas Globos de Oro 2013.

Vuestra porra apoyó a Homeland, Modern Family y Hatfields & McCoys.

MEJOR SERIE (DRAMA)
Breaking Bad*
Boardwalk Empire
Downton Abbey
Homeland 
The Newsroom

MEJOR SERIE (COMEDIA)
Big Bang
Episodes
Girls
Modern Family*
Smash

MEJOR MINISERIE O TELEFILME
Game Change
The Girl
Hatfields & McCoys*
The Hour
Political Animals


MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMÁTICA
Connie Britton (Nashville)
Glenn Close (Daños y perjuicios)
Claire Danes (Homeland)*
Michelle Dockery (Downton Abbey)
Julianna Margulies (The Good Wife)

MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMÁTICA
Steve Buscemi (Boardwalk Empire)
Bryan Cranston (Breaking Bad)*
Jeff Daniels (The Newsroom)
Jon Hamm (Mad Men)
Damian Lewis (Homeland)